Hollywood: Nascimento, Reinvenção e Domínio de uma Indústria Cultural Global

Introdução: Hollywood – O Mito e a Máquina

Hollywood. Poucos nomes de lugares evocam imagens tão poderosas e carregadas de significado. Mais do que um distrito geográfico dentro da vasta metrópole de Los Angeles ¹, Hollywood tornou-se uma abreviatura global para a indústria cinematográfica americana, sinónimo de glamour, poder, riqueza e uma influência cultural que se estende por todo o planeta.¹ É a fábrica de sonhos ¹, a Meca do cinema, um lugar onde fortunas são feitas e perdidas, e onde narrativas visuais moldam perceções e definem tendências à escala mundial.

No entanto, a imagem cintilante de Hollywood muitas vezes obscurece uma história complexa e multifacetada. Este artigo propõe-se a desvendar essa história, traçando a extraordinária jornada de Hollywood desde as suas humildes origens como uma comunidade rural com aspirações a uma utopia sóbria ¹, até à sua consolidação como o epicentro indiscutível da produção cinematográfica, passando por eras de ouro, transformações radicais impulsionadas por decretos legais e inovações tecnológicas, revoluções criativas e, finalmente, a sua posição atual num cenário digital fragmentado, enfrentando novos desafios e incertezas. Ao longo desta exploração, examinaremos as forças económicas, tecnológicas e culturais que moldaram Hollywood, as lutas pelo poder que definiram a sua estrutura industrial, a sua capacidade camaleónica de adaptação e o seu impacto indelével na cultura global. A história de Hollywood é, em essência, a história da própria modernidade cinematográfica, marcada por uma tensão constante entre arte e comércio, inovação e tradição, controlo e criatividade.

A Atração do Oeste: A Fundação de Hollywood e a Corrida Cinematográfica (Ponto 1 da Consulta)

Antes de se tornar sinónimo da sétima arte, a área conhecida como Hollywood era um trecho de terra a noroeste da então pequena cidade de Los Angeles.¹ A sua história inicial está enraizada no desenvolvimento imobiliário e na visão de proibicionistas do Kansas. A primeira casa na área foi uma construção de adobe datada de 1853.¹ Em 1887, Harvey Wilcox, um proibicionista do Kansas, loteou a área como um empreendimento imobiliário, imaginando uma comunidade baseada nos seus princípios religiosos e sóbrios.¹ A sua esposa, Daeida Wilcox, é creditada por dar o nome “Hollywood” ao local, supostamente após ouvir a palavra num comboio e considerá-la perfeita para a utopia que imaginavam.¹ Inicialmente, a região era conhecida pela sua agricultura, particularmente limões, graças a uma faixa livre de geadas.⁵

O magnata imobiliário H.J. Whitley, conhecido como o “Pai de Hollywood”, desempenhou um papel crucial na transformação da área numa zona residencial próspera e popular, sendo fundamental na instalação de infraestruturas essenciais como telefone, eletricidade e gás no início do século XX.¹ No entanto, um abastecimento de água inadequado levou os residentes a votar pela incorporação de Hollywood à cidade de Los Angeles em 1910.¹ Esta decisão implicou também a renomeação da sua rua principal, Prospect Avenue, para Hollywood Boulevard.⁷

Enquanto Hollywood se desenvolvia como uma comunidade residencial, a nascente indústria cinematográfica americana estava concentrada na Costa Leste, principalmente na área de Nova Jérsia/Nova Iorque.⁹ Esta indústria era dominada pela Motion Picture Patents Company (MPPC), conhecida como “Edison Trust”, um cartel liderado por Thomas Edison que detinha a maioria das patentes essenciais para a produção e exibição de filmes.⁶ A MPPC exercia um controlo monopolista, impondo taxas de licenciamento, limitando a duração dos filmes, proibindo a identificação dos atores e recorrendo a processos judiciais e até intimidação física para sufocar a concorrência de cineastas independentes.⁶

Este ambiente opressivo na Costa Leste foi um fator crucial que impulsionou muitos cineastas, especialmente os independentes, a procurar refúgio e oportunidade na Califórnia.⁶ A Califórnia oferecia várias vantagens decisivas:

• Clima e Paisagem: O sol abundante permitia filmagens ao ar livre ou em palcos sem teto durante quase todo o ano, essencial para as primeiras películas que exigiam muita luz.¹ Além disso, a diversidade de cenários – montanhas, desertos, planícies, praias – estava facilmente acessível, reduzindo custos de deslocação.¹
• Distância do Trust: A distância geográfica tornava a aplicação das patentes de Edison mais difícil e cara.⁶ Os tribunais da Califórnia eram também considerados menos favoráveis às práticas monopolistas da MPPC.⁶
• Outros Fatores: Terrenos e mão de obra mais baratos (muitas vezes não sindicalizada) e incentivos de negócios locais também atraíram os pioneiros do cinema.⁶

Embora a narrativa de “fuga a Edison” seja poderosa e particularmente relevante para os cineastas independentes que sentiram mais intensamente a pressão do Trust ⁶, é importante notar que a migração para o Oeste foi um fenómeno multifacetado. Empresas estabelecidas, incluindo membros do próprio Trust como a Selig Polyscope Company ¹⁶, também se mudaram para Los Angeles, atraídas pelas vantagens climáticas, cénicas e económicas.¹ A mudança para Oeste oferecia, portanto, tanto refúgio como oportunidade, dependendo da perspetiva do cineasta.

As primeiras atividades cinematográficas em Hollywood começaram a surgir. Um dos primeiros filmes narrativos, The Count of Monte Cristo, foi concluído lá em 1908 após o início das filmagens em Chicago.¹ Em 1911, a Nestor Film Company estabeleceu o primeiro estúdio de cinema em Hollywood, num antigo bar.⁵ Figuras-chave como D.W. Griffith ⁸ e, notavelmente, Cecil B. DeMille, Jesse Lasky e Samuel Goldwyn chegaram pouco depois. DeMille alugou parte de um rancho de limões e, num celeiro, filmou The Squaw Man (1914), considerado o primeiro longa-metragem filmado em Hollywood.¹ O sucesso deste filme, juntamente com a formação da Jesse L. Lasky Feature Play Company (que mais tarde se tornaria a Paramount Pictures ¹), marcou o início da transformação de Hollywood. Em 1915, a área já se consolidava como o centro da produção cinematográfica americana ¹, com a maioria dos filmes dos EUA a serem produzidos no sul da Califórnia.⁷ A visão original de uma comunidade tranquila e proibicionista dos Wilcox ¹ foi rapidamente suplantada pela chegada da indústria cinematográfica, um motor económico poderoso que redefiniu irrevogavelmente a identidade e o destino de Hollywood, demonstrando a capacidade das forças económicas de sobrepor-se às intenções fundadoras.

Construindo a Fábrica de Sonhos: O Sistema de Estúdios da Era de Ouro (Ponto 2 da Consulta)

O período que se estende aproximadamente do final dos anos 1920, com o advento do cinema sonoro (“talkies”) marcado por filmes como The Jazz Singer (1927) ², até ao final dos anos 1940 ou início dos anos 1950, antes do impacto total do Decreto Paramount e da ascensão da televisão ¹⁸, é conhecido como a “Era de Ouro” de Hollywood. Esta foi uma época de domínio quase absoluto dos estúdios, caracterizada por uma produção prolífica e pela consolidação de um modelo industrial altamente eficiente.¹⁸

O pilar deste domínio era a integração vertical. Este conceito significava que os grandes estúdios controlavam todas as fases do processo cinematográfico: a produção (possuindo estúdios de filmagem, equipamento, equipas técnicas e artísticas sob contrato), a distribuição (controlando como e onde os filmes eram lançados) e, crucialmente, a exibição (sendo proprietários de vastas cadeias de cinemas).²⁰ Este controlo total minimizava os riscos financeiros e criava barreiras significativas à entrada de concorrentes independentes.²⁴

Neste sistema, destacavam-se oito estúdios principais, divididos em dois níveis:

Tabela 1: Principais Estúdios da Era de Ouro de Hollywood

Fonte: Baseado em dados de.¹⁸ Os “Big Five” possuíam cadeias de cinemas significativas, enquanto os “Little Three” não.

A produção de filmes durante a Era de Ouro assemelhava-se a uma linha de montagem industrial.¹⁹ Os estúdios possuíam departamentos especializados (argumento, casting, cenografia, etc.), impunham horários e orçamentos rigorosos e produziam centenas de filmes por ano.¹⁸ Uma tática de distribuição chave era a reserva em bloco (“block booking”), que obrigava os cinemas independentes a alugar filmes em pacotes, muitas vezes sem os verem previamente, misturando títulos desejáveis com outros menos apelativos.¹⁸ Isto garantia a distribuição de toda a produção do estúdio e limitava a concorrência.

Intimamente ligado ao sistema de estúdios estava o sistema de estrelas (“star system”). Os estúdios “fabricavam” estrelas através de contratos de longo prazo e exclusivos, que ditavam não só os filmes em que os atores participariam, mas também controlavam rigorosamente a sua imagem pública e, por vezes, a sua vida privada.¹¹ As estrelas eram ativos valiosos, cujos nomes em grande destaque nos cartazes garantiam a atração do público.²¹ Nomes como Clark Gable, Humphrey Bogart, Bette Davis, Judy Garland e a sensação infantil Shirley Temple tornaram-se ícones globais.¹¹

O conteúdo dos filmes era também fortemente regulado pelo Código de Produção Cinematográfica, vulgarmente conhecido como Código Hays, implementado em meados da década de 1930.²⁰ Administrado pela Production Code Administration (PCA), liderada por Joseph Breen, o código proibia representações explícitas de sexo, violência excessiva, uso de drogas e outros temas considerados controversos, exigindo que os filmes promovessem valores tradicionais e respeito pela autoridade.²⁵ Isto obrigava os cineastas a usar a sugestão, o subentendido e a elipse para abordar temas tabu.²⁵

A confluência da integração vertical, do sistema de estrelas e da regulação de conteúdo pelo Código Hays solidificou o domínio do sistema de estúdios durante a Era de Ouro, representando um zénite de controlo industrial dentro de um campo criativo.²⁰ Este ambiente altamente gerido, focado na produção padronizada e na minimização do risco financeiro ²⁵, priorizava frequentemente a fórmula em detrimento da inovação artística, embora tenha produzido inúmeros clássicos do cinema. O sucesso financeiro retumbante dos estúdios, mesmo durante os anos difíceis da Grande Depressão ¹⁸, atesta não só a eficácia deste modelo de negócio, mas também o poder do cinema como forma de escapismo popular. Filmes ofereciam uma fuga vital para um público que enfrentava dificuldades económicas, e o controlo apertado dos estúdios sobre toda a cadeia de valor garantia que eles capitalizassem eficazmente essa procura.¹⁶

Fissuras na Fundação: O Decreto Paramount e a Ascensão da Televisão (Ponto 3 da Consulta)

Apesar do seu aparente poder monolítico, o sistema de estúdios da Era de Ouro começou a enfrentar desafios significativos em meados do século XX, culminando em transformações que alterariam para sempre a paisagem de Hollywood. Dois fatores principais catalisaram esta mudança: uma decisão judicial histórica e o advento de uma nova tecnologia de entretenimento doméstico.

O primeiro golpe veio do sistema legal. Durante anos, produtores e exibidores independentes lutaram contra as práticas monopolistas dos grandes estúdios.²⁸ Estas preocupações levaram o Departamento de Justiça dos EUA a intentar uma ação antitrust contra os oito principais estúdios (os “Big Five” e os “Little Three”) em 1938, acusando-os de conspiração para fixar preços e monopolizar a distribuição e exibição de filmes através da integração vertical e da reserva em bloco.²⁸ Após anos de litígio, adiamentos e tentativas de acordo ²⁸, o caso chegou ao Supremo Tribunal.

Em 1948, na decisão histórica conhecida como United States v. Paramount Pictures, Inc. (ou Decreto Paramount), o tribunal decidiu contra os estúdios.²⁷ As principais determinações foram:

• Desinvestimento (“Divestiture”): Os cinco grandes estúdios foram obrigados a vender as suas cadeias de cinemas, separando assim a produção e distribuição da exibição.²⁷ Esta medida desmantelou a estrutura de integração vertical que era a base do seu poder.
• Fim da Reserva em Bloco (“Block Booking”): A prática de forçar os cinemas a alugar pacotes de filmes, muitas vezes sem os ver (“blind buying”), foi considerada ilegal e proibida.²⁷

O impacto do Decreto Paramount foi imediato e profundo. Enfraqueceu significativamente o poder económico e de mercado dos grandes estúdios ²⁰, que perderam a receita garantida das suas salas de cinema.³¹ Abriu o mercado a produtores e cinemas independentes, que passaram a ter mais liberdade para produzir e exibir filmes.²⁷ Marcou o início do fim do modelo clássico do sistema de estúdios ²⁰, forçando uma reestruturação fundamental da indústria.

Quase simultaneamente, Hollywood enfrentou um segundo desafio existencial: a ascensão da televisão. Na década de 1950, a posse de aparelhos de televisão nos lares americanos explodiu, passando de cerca de 1 milhão em 1949 para mais de 50 milhões em 1959.³⁶ A televisão oferecia entretenimento conveniente e barato (ou gratuito) no conforto do lar, competindo diretamente com a experiência de ir ao cinema.³⁶

Como resultado, a frequência semanal nos cinemas dos EUA caiu drasticamente, de um pico de 90 milhões em 1946 para cerca de 45 milhões no final da década de 1950.³⁶ Os estúdios, inicialmente, viram a televisão como uma ameaça direta ao seu modelo de negócio.³⁶ A situação foi agravada pelo facto de a Comissão Federal de Comunicações (FCC) ter dificultado a posse de estações de TV pelos estúdios de cinema devido às suas condenações por práticas monopolistas.³⁷ Além disso, estrelas de cinema começaram a migrar para o novo meio, encontrando sucesso em programas populares.³⁶

Confrontados com esta dupla ameaça – a perda de controlo sobre a exibição e a perda de público para a televisão – os estúdios foram forçados a adaptar-se. Implementaram várias estratégias para competir:

• Inovação Tecnológica: Para diferenciar a experiência cinematográfica da pequena tela a preto e branco da TV, Hollywood investiu em tecnologia.³⁹ Isto incluiu a adoção generalizada da cor, facilitada pelo desenvolvimento do Eastmancolor da Kodak, mais barato e compatível com câmaras convencionais ³⁶, e a introdução de formatos de tela panorâmica (“widescreen”) como Cinerama, CinemaScope e VistaVision, que ofereciam imagens maiores e mais espetaculares.³⁹ O som estereofónico multicanal também foi introduzido para criar uma experiência áudio mais imersiva.³⁶
• Diferenciação de Conteúdo: Os estúdios passaram a produzir filmes que a televisão não podia (ou não queria) oferecer. Isto incluiu épicos de grande escala e espetáculos visuais adequados aos novos formatos panorâmicos, como Os Dez Mandamentos (1956).⁴⁰ Também começaram a explorar temas mais adultos e sofisticados, aproveitando o enfraquecimento gradual do Código Hays (que acabaria por ser substituído em 1968 ²⁹) para oferecer algo diferente da programação familiar da TV.³⁶
• Coexistência e Diversificação: Percebendo que não podiam simplesmente ignorar a televisão, os estúdios começaram a produzir conteúdos para ela, tornando-se fornecedores de programas de TV.¹ Licenciaram as suas vastas bibliotecas de filmes antigos para emissoras de TV, o que, ironicamente, ajudou a alimentar o crescimento do novo meio.²⁸ Diversificaram também os seus negócios, entrando em áreas como parques temáticos e editoras discográficas.³⁷ Tentativas de criar “televisão de teatro” (exibição de programação televisiva em cinemas) tiveram sucesso limitado.³⁸

A combinação do Decreto Paramount e da ascensão da televisão forçou uma redefinição fundamental do modelo de negócio e da abordagem criativa de Hollywood. A perda da exibição garantida e a fuga do público exigiram uma mudança de foco da produção em massa padronizada para a criação de experiências cinematográficas únicas e espetaculares que justificassem a saída de casa e o preço do bilhete. Esta necessidade de diferenciação impulsionou a inovação tecnológica e uma mudança no tipo de conteúdo produzido, transformando a natureza do cinema mainstream. Paradoxalmente, o declínio do rígido sistema de estúdios, acelerado por estas pressões, criou as condições para a explosão criativa da Nova Hollywood. O enfraquecimento do controlo centralizado, a necessidade de conteúdos frescos e as mudanças nas práticas de contratação (menos contratos de longo prazo ³¹) abriram espaço para vozes independentes e maior autonomia directorial, semeando involuntariamente as sementes da próxima revolução cinematográfica.⁴² Além disso, a ação antitrust do governo teve a consequência não intencional de fortalecer a televisão, ao forçar os estúdios a vender ativos (como bibliotecas de filmes) que se tornaram conteúdos cruciais para as redes de TV.²⁸

Renascimento Autoral: A Revolução da Nova Hollywood (Ponto 4 da Consulta)

Após o desmantelamento parcial do sistema de estúdios e o desafio da televisão, Hollywood entrou num período de incerteza e transição que, inesperadamente, deu origem a uma das suas eras mais criativamente férteis: a Nova Hollywood. Este movimento, que floresceu aproximadamente de meados da década de 1960 até ao início da década de 1980 ⁴², marcou uma rutura decisiva com as convenções do passado, privilegiando a criatividade e a experimentação impulsionadas pelos realizadores.⁴⁴

Vários fatores convergiram para criar o terreno fértil para a Nova Hollywood. O declínio do antigo sistema de estúdios, enfraquecido pelo Decreto Paramount e pela concorrência da TV, resultou numa menor centralização do poder e numa maior disposição dos estúdios, agora financeiramente mais vulneráveis, em arriscar em novos talentos e projetos diferentes.⁴² Simultaneamente, o Código Hays estava a perder a sua força, permitindo a abordagem de temas mais maduros, complexos e controversos, como sexo, violência e crítica social.⁴² Igualmente importante foi a mudança nos gostos do público, especialmente da geração Baby Boomer, que se mostrava mais recetiva a filmes que refletissem as suas próprias experiências de alienação, o desencanto com a Guerra do Vietname e a desconfiança em relação ao “establishment”.⁴²

Estes cineastas emergentes foram profundamente influenciados pelas novas vagas cinematográficas europeias, em particular a Nouvelle Vague francesa (com realizadores como Jean-Luc Godard e François Truffaut) e o Neorrealismo italiano.⁴² Destas correntes, absorveram um gosto pela inovação estilística (uso de câmara à mão, montagem descontínua ou “jump cuts”, filmagens em locais reais), por estruturas narrativas não convencionais (ambiguidade, finais abertos) e por uma abordagem mais realista e moralmente complexa das personagens e dos temas.⁴²

Um conceito fundamental que deu poder ideológico a esta nova geração foi a Teoria do Autor (“Auteur Theory”). Originária da crítica francesa (particularmente de Truffaut nos Cahiers du Cinéma) e popularizada nos EUA por Andrew Sarris ⁵⁰, esta teoria defendia que o realizador era o verdadeiro “autor” de um filme, a principal força criativa cuja visão pessoal e estilo recorrente conferiam unidade e significado à obra.⁴⁷ A teoria do autor elevou o estatuto do realizador, legitimando a sua busca por controlo criativo e incentivando a análise dos filmes através da lente da sua assinatura pessoal.⁵¹

Os filmes da Nova Hollywood distinguiram-se por várias características:

• Centrados no Realizador: A visão pessoal e o estilo do realizador eram proeminentes.⁴⁵
• Foco Temático: Abordavam frequentemente a contracultura, alienação, atitudes anti-autoritárias e cínicas, questões sociais (racismo, guerra, corrupção), a desconstrução do Sonho Americano e a ambiguidade moral.⁴² Havia uma representação mais franca e gráfica da sexualidade e da violência.⁴³
• Inovação Estilística: Experimentação com a narrativa (por vezes não linear), montagem, cinematografia (privilegiando locais reais e uma estética mais “crua”).⁴² Uso marcante de bandas sonoras com música popular e rock contemporâneo.⁴⁶
• Anti-heróis: Protagonistas frequentemente falíveis, complexos, perturbados e moralmente ambíguos.⁴²

Esta era viu a ascensão de uma geração talentosa de realizadores, muitos deles formados em escolas de cinema (os “Movie Brats”), como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, George Lucas, Steven Spielberg (cujos primeiros trabalhos se inserem nesta corrente, embora mais tarde tenham contribuído para a sua superação), Robert Altman, Arthur Penn, Mike Nichols, Dennis Hopper, Hal Ashby, Peter Bogdanovich, entre outros.⁴²

Produziram obras marcantes que definiram a época, incluindo Bonnie and Clyde (1967), frequentemente citado como o filme inaugural do movimento ⁴³, The Graduate (1967) ⁴², Easy Rider (1969) ⁴², Midnight Cowboy (1969), MASH (1970), The French Connection (1971), The Godfather (1972) ⁴², Mean Streets (1973) ⁴⁸, Chinatown (1974) ⁴³, One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975), Taxi Driver (1976) ⁴², e Apocalypse Now (1979).⁴⁷

A Nova Hollywood representou um momento singular na história do cinema americano, onde a ambição artística, a expressão pessoal (através da lente da teoria do autor) e o cinema comercial conseguiram coexistir brevemente.⁴⁵ Este alinhamento foi possibilitado pelo vácuo de poder temporário deixado pelo declínio do sistema de estúdios e pela sintonia com um público jovem e contestatário.⁴⁴ Os realizadores gozaram de uma liberdade criativa sem precedentes dentro do sistema de financiamento dos estúdios, um equilíbrio delicado que não duraria. A adoção da teoria do autor neste período alterou fundamentalmente a forma como os filmes de Hollywood eram discutidos e percebidos, deslocando o foco das estrelas ou dos estúdios para o realizador como a figura criativa central.⁵² Esta valorização do realizador influenciou a crítica e a compreensão do público, um legado que perdura até hoje na forma como os filmes são promovidos (“Um filme de…”) e analisados, mesmo reconhecendo a natureza inerentemente colaborativa do cinema.⁵⁰

Blockbusters, Bytes e Binge-Watching: A Paisagem da Hollywood Moderna (Ponto 5 da Consulta)

A liberdade criativa e a experimentação da Nova Hollywood acabaram por dar lugar a uma nova era, dominada por estratégias de produção e marketing focadas no sucesso comercial massivo. Esta transformação foi catalisada por alguns filmes-chave e acelerada por revoluções tecnológicas que continuam a moldar a indústria hoje.

O Nascimento do Blockbuster Moderno:

Embora o termo “blockbuster” já fosse usado para descrever produções de grande orçamento 57, foram dois filmes em meados da década de 1970 que redefiniram o conceito e estabeleceram o modelo para as décadas seguintes: Jaws (Tubarão, 1975) de Steven Spielberg e Star Wars (Guerra das Estrelas, 1977) de George Lucas.49 Estes filmes não foram apenas sucessos estrondosos de bilheteira; eles inauguraram a “estratégia blockbuster”:

• Lançamento Estratégico: Estreias no verão (tradicionalmente uma época baixa) para capturar o público jovem em férias.⁴⁹
• Distribuição Massiva: Lançamento simultâneo em centenas ou milhares de salas (“saturation booking”), em contraste com o lançamento gradual anterior.⁴⁹
• Marketing Agressivo: Campanhas publicitárias maciças, especialmente na televisão, criando um “evento” cultural e gerando “buzz”.⁴⁹
• Foco no “High-Concept”: Filmes com premissas facilmente comunicáveis, grande apelo visual, ação e espetáculo.⁴⁹
• Potencial de Franchise: Ênfase em histórias e universos que poderiam gerar sequelas, merchandising e outras formas de exploração.⁵⁹

O sucesso avassalador de Jaws e Star Wars (que destronou Jaws como o filme de maior bilheteira ⁴⁹) convenceu os estúdios de que este era o caminho para a rentabilidade máxima. Isto levou a uma mudança de paradigma, afastando-se do cinema de autor, muitas vezes sombrio e complexo, da Nova Hollywood, em favor de produções de grande orçamento, orientadas para o espetáculo, com fórmulas mais seguras e destinadas a um público de massas.⁴³

A Febre das Franchises e o Domínio da Propriedade Intelectual (PI):

A estratégia blockbuster evoluiu para uma dependência crescente de Propriedade Intelectual (PI) pré-existente. Em vez de arriscar em ideias originais, os estúdios passaram a privilegiar sequelas, prequels, reboots, remakes e adaptações de fontes conhecidas como bandas desenhadas, livros, videojogos, brinquedos ou mesmo eventos históricos.59 A lógica é que a PI estabelecida traz consigo uma familiaridade e um público incorporado, representando uma aposta mais segura num mercado avesso ao risco.64

Dados recentes confirmam este domínio: uma grande percentagem dos filmes e séries de maior sucesso a cada ano são baseados em PI pré-existente.⁶³ Em 2024, por exemplo, os dez filmes de maior bilheteira foram todos títulos de franchises.⁶⁵ A esmagadora maioria dos filmes que ultrapassam os $100 milhões domesticamente são parte de franchises.⁶⁴ Esta tendência levou à consolidação da estratégia “tentpole”, onde os estúdios dependem de alguns lançamentos maciços baseados em PI a cada ano para sustentar as suas finanças.⁵⁹ Embora eficaz comercialmente, esta abordagem levanta preocupações sobre a diminuição da originalidade e a marginalização de filmes de médio orçamento ou de autor.⁶³

A Revolução Digital: O Impacto do CGI:

A ascensão do blockbuster e das franchises foi de mão dada com avanços tecnológicos, particularmente na Computação Gráfica (Computer-Generated Imagery – CGI). O CGI evoluiu de usos pioneiros e limitados em filmes como Westworld (1973), Star Wars (1977) e Tron (1982) 72 para uma ferramenta omnipresente e sofisticada. Filmes como Terminator 2: Judgment Day (1991), Jurassic Park (1993) 72, Toy Story (1995 – o primeiro longa-metragem totalmente animado por computador 73), The Matrix (1999) 73, The Lord of the Rings (trilogia, início 2001 76), Avatar (2009) 62 e o universo cinematográfico da Marvel 73 marcaram marcos na integração e no realismo do CGI.

O CGI permite aos cineastas criar mundos fantásticos, criaturas impossíveis, ambientes complexos e efeitos visuais espetaculares que seriam impraticáveis ou demasiado caros com efeitos práticos tradicionais.⁷⁴ Tornou-se um ingrediente essencial para o espetáculo visual exigido pelos blockbusters modernos.⁷⁴ O seu impacto na produção é vasto, abrangendo a pré-visualização (planeamento de cenas complexas), a criação de personagens e cenários digitais, a integração com atores reais, a animação 3D completa, a modificação da aparência dos atores (como o rejuvenescimento digital ou “de-aging”) e a simulação de fenómenos naturais ou explosões.⁷⁴ A linha entre efeitos práticos e digitais tornou-se cada vez mais ténue.⁷² Embora o CGI possa, em alguns casos, oferecer eficiência de custos ⁷⁵, a sua implementação em grande escala em blockbusters contribui significativamente para os orçamentos elevados. Paralelamente, a revolução digital também trouxe câmaras digitais mais acessíveis e software de pós-produção poderoso (como Adobe Premiere Pro, DaVinci Resolve), democratizando alguns aspetos técnicos da produção cinematográfica.⁷³

O Tsunami do Streaming:

A mais recente grande transformação na paisagem de Hollywood é a ascensão dominante das plataformas de streaming. Iniciada pela transição da Netflix de aluguer de DVDs para streaming online 69, a indústria viu a entrada agressiva de gigantes da tecnologia (Amazon Prime Video, Apple TV+) e o lançamento de serviços próprios pelos estúdios tradicionais (Disney+, Max/HBO Max, Paramount+, Peacock).69

Este fenómeno alterou fundamentalmente o modelo de negócio:

• Mudança de Foco: O modelo passou da receita por janelas de exibição (cinema, home video, TV paga, etc.) para um modelo de subscrição direta ao consumidor (D2C), focado na aquisição e retenção de assinantes.⁶⁹
• Impacto na Distribuição: As tradicionais “janelas” de exclusividade teatral foram drasticamente encurtadas, ou mesmo eliminadas, com filmes a estrearem diretamente em streaming ou poucos meses após a estreia no cinema.⁷⁰
• Novos Hábitos de Consumo: O modelo de lançamento de temporadas inteiras de uma vez (“binge-watching”) mudou a forma como o público consome conteúdo serializado.⁷¹
• Estratégia de Conteúdo: As plataformas investem massivamente na produção de conteúdo original e exclusivo para se diferenciarem e atraírem assinantes.⁶⁹ Há uma forte ênfase em séries e na exploração contínua da PI detida pelas empresas-mãe.⁶⁹ A produção e distribuição tornaram-se verdadeiramente globais, com conteúdos de diferentes países a alcançar audiências mundiais.⁷¹

A paisagem moderna de Hollywood é, assim, definida por uma interligação complexa: o sucesso dos blockbusters reforça a aposta em franchises e PI; estes, por sua vez, exigem CGI avançado para criar o espetáculo esperado; e as plataformas de streaming servem como um canal de distribuição crucial e um incentivo adicional para explorar PI em vastas bibliotecas de conteúdo, atraindo assinantes globais.⁵⁹ Este ciclo cria um motor poderoso para o entretenimento comercial e tecnologicamente mediado, mas levanta questões sobre a sustentabilidade da originalidade e a viabilidade de projetos fora deste ecossistema dominante.⁶⁸ Embora a tecnologia digital tenha democratizado certas ferramentas de produção ⁷⁸, a estrutura industrial – com o controlo concentrado em conglomerados, os custos elevados de marketing para blockbusters ⁴⁹ e o poder dos porteiros do streaming ⁷⁹ – concentra o poder e as recompensas financeiras no topo, erguendo novas barreiras económicas e de distribuição mesmo quando as barreiras tecnológicas diminuem.

O Alcance Global de Hollywood: Influência, Cultura e Controvérsia (Ponto 6 da Consulta)

A influência de Hollywood transcende largamente as bilheteiras e as telas, exercendo um impacto cultural profundo e complexo à escala global. Os seus filmes funcionam como um dos principais veículos para a disseminação da cultura, valores, estilos de vida e da própria língua inglesa americana pelo mundo.³ Frequentemente, esta capacidade de atração e persuasão cultural é vista como um componente chave do “soft power” dos Estados Unidos, moldando perceções e fomentando afinidade.¹¹ Narrativas que enfatizam o individualismo, o heroísmo, a possibilidade de alcançar o “Sonho Americano” através do esforço pessoal (independentemente de classe, género ou raça, pelo menos na ficção) e valores democráticos são temas recorrentes que ressoam, ou são pelo menos expostos, a audiências globais.³

Esta influência estende-se a domínios tangíveis como a moda e as tendências de consumo. Desde os primórdios do cinema, com atrizes a usarem os seus próprios guarda-roupas ⁸⁷, até à Era de Ouro, onde os estúdios deliberadamente usaram o guarda-roupa como ferramenta de marketing ⁸⁷, e continuando até hoje com o impacto de celebridades em eventos de passadeira vermelha e nas redes sociais ⁸⁸, Hollywood tem sido um motor poderoso na definição do que é considerado belo, glamoroso e desejável.⁴ Looks icónicos de filmes (como o vestido de Audrey Hepburn em Breakfast at Tiffany’s ⁴) ou estilos popularizados por séries (Sex and the City ⁴) ou impulsionados por estrelas (como o recente fenómeno “Cowboy Carter” de Beyoncé ⁸⁸ ou a moda inspirada no ténis de Zendaya ⁸⁸) demonstram a capacidade da indústria de ditar tendências globais de moda e beleza.

No entanto, o domínio global de Hollywood não está isento de controvérsia. Levanta-se frequentemente o debate sobre imperialismo cultural versus intercâmbio cultural. Por um lado, argumenta-se que a exposição a histórias e perspetivas americanas pode promover a empatia e a compreensão intercultural.³ Filmes que abordam questões sociais como racismo ou desigualdade nos EUA podem estimular conversas globais.³ Por outro lado, a preponderância de Hollywood pode levar à homogeneização cultural, ameaçando a diversidade das indústrias cinematográficas locais e impondo uma visão de mundo predominantemente americana.³ Esta preocupação levou alguns países a implementar medidas protecionistas, como quotas para filmes estrangeiros ou subsídios para produções locais, e motivou acordos internacionais como a Convenção da UNESCO sobre a Proteção e Promoção da Diversidade das Expressões Culturais.³

Associada a esta questão está a representação de culturas e personagens não americanas, frequentemente criticada por recorrer a estereótipos, deturpações ou simplificações excessivas.³ Estas representações podem perpetuar preconceitos e visões distorcidas.³ Embora Hollywood tenha vindo a incorporar mais elementos globais nas suas narrativas, muitas vezes motivado pelo acesso a mercados internacionais como o chinês ⁸⁴, a procura por uma representação global autêntica e respeitosa continua a ser um desafio.³

Internamente, Hollywood também enfrenta um escrutínio crescente relativamente à diversidade e representatividade dos seus próprios cidadãos. Historicamente, a indústria tem sido marcada pela sub-representação e estereotipagem de grupos marginalizados, incluindo minorias raciais e étnicas, mulheres, pessoas LGBTQ+ e pessoas com deficiência.⁴¹ Práticas como o “yellowface” (atores brancos maquilhados para parecerem asiáticos) ⁹¹ e o “whitewashing” (escalar atores brancos para papéis de personagens de cor) ⁴¹ foram comuns e contribuíram para a invisibilidade e a caricatura destes grupos. A falta de representatividade autêntica tem sido associada a impactos negativos na autoestima e autoimagem dos membros desses grupos, além de reforçar preconceitos na sociedade em geral.⁴¹

Nas últimas décadas, impulsionada por movimentos sociais, ativismo dentro da indústria e uma crescente consciencialização do público, tem havido uma pressão significativa por maior diversidade e inclusão.⁴ Esta exigência não se limita à representação na tela, mas estende-se à necessidade de maior diversidade atrás das câmaras – entre argumentistas, realizadores, produtores e executivos – reconhecendo que quem conta as histórias influencia como elas são contadas.⁹² Embora se tenham registado progressos, com filmes como Black Panther e Crazy Rich Asians a demonstrarem o sucesso comercial e cultural de histórias centradas em grupos sub-representados ⁴, estudos continuam a apontar para lacunas significativas na representação equitativa.⁹² A discussão evoluiu também para a necessidade de representações interseccionais, que reconheçam a complexidade das identidades múltiplas (por exemplo, uma mulher negra queer).⁴¹

A influência cultural global de Hollywood está, assim, intrinsecamente ligada ao seu poder económico. A capacidade de moldar modas, valores e perceções em todo o mundo deriva diretamente do seu controlo sobre a distribuição e marketing cinematográfico internacional, criando um ciclo onde o impacto cultural reforça o poder de mercado.³ A luta contínua por uma melhor representatividade dentro de Hollywood reflete não apenas mudanças sociais mais amplas, mas também uma disputa pelo poder narrativo e económico. Não se trata apenas de visibilidade na tela, mas de desafiar estruturas de poder históricas dentro da indústria, exigir oportunidades equitativas para criadores de grupos sub-representados e reivindicar o direito de contar histórias autênticas que reflitam a complexidade do mundo real.⁴¹

Gigantes da Era Digital: Os Conglomerados de Mídia Atuais (Ponto 7 da Consulta)

A estrutura de poder em Hollywood hoje difere radicalmente da Era de Ouro. Os estúdios clássicos, embora muitos dos seus nomes permaneçam icónicos, são agora, na sua maioria, divisões dentro de vastos conglomerados de mídia e tecnologia. Estes gigantes dominam a produção e distribuição de entretenimento à escala global.

Os principais atores atuais incluem os descendentes dos estúdios tradicionais, agora integrados em entidades maiores:

• Universal Pictures: Parte da NBCUniversal, propriedade da gigante das telecomunicações Comcast.⁸⁰
• Paramount Pictures: Parte da Paramount Global (anteriormente ViacomCBS).⁸⁰
• Warner Bros. Entertainment: Parte da Warner Bros. Discovery, resultado de uma mega-fusão recente.⁷¹
• Walt Disney Studios: Inclui Walt Disney Pictures, 20th Century Studios (adquirida da Fox), Pixar, Marvel Studios e Lucasfilm, todos sob a égide da The Walt Disney Company.²⁶
• Sony Pictures Entertainment: Inclui Columbia Pictures e TriStar Pictures, propriedade da multinacional japonesa Sony Group Corporation.⁸⁰

A estes juntam-se os gigantes da tecnologia que entraram agressivamente no espaço de conteúdo:

• Amazon MGM Studios: A Amazon adquiriu o histórico estúdio MGM, integrando-o nas suas operações de streaming (Prime Video).⁷¹
• Apple: Investe fortemente em conteúdo original para a sua plataforma Apple TV+.⁷⁰

Existem também “mini-majors” importantes, como a Lionsgate (que também possui a Starz) e estúdios independentes influentes como a A24, que conseguiram nichos significativos no mercado.⁸⁰

Tabela 2: Principais Conglomerados de Mídia e Ativos Cinematográficos Atuais

Fonte: Baseado em dados de.²⁶ A quota de mercado refere-se à distribuição cinematográfica nos EUA/Canadá em 2023.

Esta estrutura é o resultado de décadas de consolidação, uma tendência que se acelerou na era digital. Fusões e aquisições maciças, como a compra da 21st Century Fox pela Disney ²⁶ ou a fusão da WarnerMedia com a Discovery ⁷¹, concentraram ainda mais o poder. Especula-se que mais consolidação possa ocorrer, à medida que as plataformas de streaming lutam por escala e rentabilidade.⁷⁰

A estratégia destes conglomerados modernos baseia-se na sinergia e no controlo da propriedade intelectual (PI) através de múltiplas plataformas. Uma franchise de sucesso como a Marvel (Disney) ou Harry Potter (Warner Bros. Discovery) pode ser explorada em filmes, séries de televisão, serviços de streaming, parques temáticos, videojogos e merchandising, maximizando o retorno do investimento.⁶⁵ A construção e retenção de bases de assinantes para os seus serviços de streaming tornou-se um objetivo central, influenciando as decisões sobre onde e como o conteúdo é lançado.⁷⁹ O mercado é intrinsecamente global, com produção e distribuição a visar audiências em todo o mundo.⁷¹

Esta estrutura conglomerada representa uma nova forma de integração vertical. Em vez de controlar cinemas, como na Era de Ouro, estes gigantes controlam a cadeia de valor desde a criação da PI, passando pela produção em múltiplos formatos (cinema, TV, streaming), até à distribuição direta ao consumidor através das suas próprias plataformas digitais.⁶⁵ Isto cria ecossistemas de conteúdo fechados que concentram o poder e priorizam a maximização do valor dentro do próprio conglomerado. A entrada dos gigantes da tecnologia (Amazon, Apple) introduz uma dinâmica competitiva diferente. Como o entretenimento não é o seu negócio principal, podem dar-se ao luxo de operar os seus serviços de streaming com prejuízo, se isso servir objetivos estratégicos mais amplos, como vender dispositivos, reforçar ecossistemas de subscrição (Amazon Prime) ou simplesmente construir marca.⁷⁹ Esta capacidade de investir massivamente sem a pressão imediata de rentabilidade no conteúdo coloca uma pressão adicional sobre os conglomerados de mídia tradicionais.⁷⁹

Hollywood numa Encruzilhada: Desafios e o Futuro (Ponto 8 da Consulta)

Apesar da sua resiliência histórica, Hollywood enfrenta atualmente um conjunto complexo de desafios que colocam em questão o seu futuro e a sua forma de operar. Tensões laborais, a disrupção contínua do streaming, o advento da inteligência artificial e pressões económicas estão a forçar a indústria a reavaliar os seus modelos.

Agitação Laboral e as Suas Consequências:

O ano de 2023 foi marcado por greves significativas e simultâneas do Writers Guild of America (WGA) e do Screen Actors Guild – American Federation of Television and Radio Artists (SAG-AFTRA), a primeira vez que ambos os sindicatos estiveram em greve ao mesmo tempo desde 1960.101 Estas greves paralisaram a produção de Hollywood durante meses 101, causando um impacto económico estimado em mais de 5 mil milhões de dólares nos EUA.104 As principais reivindicações centraram-se em duas áreas cruciais para a era digital:

• Compensação na Era do Streaming: Argumentistas e atores exigiram uma estrutura de pagamentos residuais mais justa e transparente das plataformas de streaming, argumentando que o modelo atual não reflete adequadamente o valor do seu trabalho no sucesso global e na longa vida útil das produções em streaming, em contraste com os residuais mais previsíveis da televisão tradicional.⁷¹ A ascensão da “gig economy” nas salas de argumentistas (“mini-rooms”) também foi um ponto de discórdia.¹⁰⁵
• Regulamentação da Inteligência Artificial (IA): Ambos os sindicatos expressaram profunda preocupação com o uso crescente da IA na indústria, exigindo proteções contra a utilização não consentida da imagem e voz dos atores (réplicas digitais) e garantias de que a IA não substituiria argumentistas humanos na criação de guiões.¹⁰¹

Embora as greves tenham sido resolvidas com novos contratos que abordaram algumas destas questões ¹⁰², as tensões subjacentes sobre a partilha de receitas na economia do streaming e o papel da IA permanecem, prenunciando futuras negociações complexas.

O Debate Streaming vs. Cinema:

A tensão entre o lançamento de filmes diretamente em plataformas de streaming (ou com janelas de exclusividade teatral muito curtas) e o modelo tradicional de exibição em cinemas continua a ser um ponto fulcral.70 A pandemia de COVID-19 acelerou a mudança para o consumo doméstico 82, e embora grandes eventos cinematográficos ainda consigam atrair público às salas 70, a frequência geral diminuiu e muitas salas de cinema lutam pela sobrevivência.70 Os estúdios, especialmente aqueles com as suas próprias plataformas de streaming, enfrentam um dilema: maximizar assinantes através de estreias exclusivas em streaming ou apoiar a janela teatral que, historicamente, gera receitas significativas (embora partilhadas com os exibidores 82) e estabelece o valor de um filme para janelas subsequentes.70 O futuro provavelmente passará por modelos híbridos e uma maior segmentação, com certos tipos de filmes (grandes blockbusters de PI) a privilegiar o lançamento teatral, enquanto outros poderão ir diretamente para o streaming.98

Inteligência Artificial: O Próximo Disruptor?

A IA surge como uma força potencialmente transformadora, com implicações profundas e ambivalentes:

• Oportunidades: A IA oferece ferramentas para otimizar vários aspetos da produção: assistência na escrita de guiões e desenvolvimento de histórias, pré-visualização, criação e melhoramento de efeitos visuais (VFX), edição automatizada, pós-produção (dobragem, legendagem), análise de dados para marketing e previsão de sucesso.⁷⁸ Promete eficiência, redução de custos e novas possibilidades criativas, como a criação de cenas complexas ou a geração de conteúdo personalizado.¹⁰⁷
• Ameaças e Desafios: As preocupações são vastas. Deslocamento de empregos para argumentistas, atores, artistas de VFX, compositores e outros profissionais criativos é uma ansiedade central.¹⁰⁶ Questões legais complexas sobre direitos de autor e propriedade de conteúdos gerados por IA permanecem por resolver.⁷⁷ Preocupações éticas sobre o uso de réplicas digitais de atores (vivos ou falecidos) sem consentimento informado, a proliferação de “deepfakes” e a perda de autenticidade e nuances humanas na performance e na narrativa são prementes.⁷⁷ Existe o risco de a dependência excessiva da IA levar a uma homogeneização do conteúdo, privilegiando fórmulas baseadas em dados em detrimento da inovação artística.¹⁰⁷ A necessidade de quadros regulatórios e éticos claros é urgente.⁷⁷

Pressões Económicas e Competição Global:

A fase de crescimento explosivo do streaming deu lugar a um foco na rentabilidade. Muitas plataformas ainda lutam para gerar lucro, levando a cortes orçamentais, maior aversão ao risco e uma concentração ainda maior em PI comprovada.70 A possibilidade de mais fusões e aquisições paira sobre a indústria.70 Simultaneamente, Hollywood enfrenta uma competição global crescente, tanto de outros centros de produção internacionais (como Bollywood, Nollywood, Coreia do Sul) como da capacidade das plataformas de streaming de promoverem conteúdos não americanos a uma audiência global, desafiando a hegemonia tradicional de Hollywood.71

Direções Futuras:

O futuro de Hollywood é incerto, mas provavelmente envolverá uma contínua adaptação. Poderemos ver um ecossistema mais híbrido, onde coexistem blockbusters teatrais, lançamentos diretos para streaming e talvez um ressurgimento da produção independente, potenciada por tecnologias mais acessíveis.98 A integração da IA será inevitável, mas a forma como será regulada e equilibrada com o trabalho humano será crucial.107 A necessidade de apelar a mercados globais diversos poderá impulsionar uma maior variedade de histórias e representações.112

Os desafios atuais que Hollywood enfrenta – disputas laborais sobre novas tecnologias e modelos de negócio, a tensão entre distribuição física e digital, o impacto da IA – ecoam, de facto, padrões históricos. A indústria sempre foi forçada a adaptar-se a grandes disrupções, desde o som e a televisão até à revolução digital.¹⁶ A dinâmica fundamental de rutura seguida de adaptação parece ser inerente à história de Hollywood. O debate em torno da IA, em particular, encapsula a tensão central entre eficiência/lucratividade e criatividade humana/direitos laborais que sempre existiu na indústria.²⁰ No entanto, a IA intensifica este conflito a um nível sem precedentes, pois ameaça automatizar tarefas criativas nucleares, forçando uma redefinição do que constitui trabalho criativo e como este deve ser valorizado na era das máquinas inteligentes.¹⁰⁶ A capacidade de Hollywood para navegar nestas águas turbulentas determinará a sua forma e função no século XXI.

Conclusão: Um Epicentro Duradouro e em Evolução

A trajetória de Hollywood é uma saga de transformação contínua. De um loteamento rural sonhado como uma utopia temperante, evoluiu para uma Meca industrial que dominou a produção cinematográfica global durante um século. A sua história é marcada por uma notável capacidade de adaptação – absorvendo o som, respondendo à televisão, abraçando o digital e agora lutando com as complexidades do streaming e da inteligência artificial. Cada desafio tecnológico e económico forçou reinvenções no seu modelo de negócio, nas suas práticas de produção e no seu produto final.

Ao longo desta evolução, tensões fundamentais persistiram: a eterna dança entre a expressão artística e as exigências comerciais; a luta entre o capital dos estúdios e o trabalho dos criadores; o equilíbrio entre a inovação disruptiva e a segurança das fórmulas estabelecidas. Hollywood demonstrou ser simultaneamente uma força conservadora, agarrando-se a estruturas de poder e explorando PI comprovada, e uma força dinâmica, capaz de gerar períodos de intensa criatividade e de se adaptar a novas realidades de mercado e tecnologia.

O seu papel como força cultural global permanece inegável, embora cada vez mais contestado e complexo. Continua a exportar narrativas, estilos e valores que moldam perceções em todo o mundo, ao mesmo tempo que enfrenta críticas legítimas sobre representação, estereótipos e o impacto da sua hegemonia na diversidade cultural global. A luta interna por maior inclusão e autenticidade reflete estas tensões globais.

Hoje, Hollywood encontra-se novamente numa encruzilhada, confrontada com a incerteza económica do streaming, as implicações existenciais da IA e a contínua redefinição da experiência cinematográfica. No entanto, se a história serve de guia, a capacidade de Hollywood para a reinvenção não deve ser subestimada. Embora a sua forma possa mudar, o seu estatuto como um centro nevrálgico para a narração de histórias à escala global – um lugar onde tecnologia, capital e criatividade colidem para criar os mitos e entretenimentos que definem a nossa era – provavelmente perdurará, continuando a moldar o futuro do entretenimento mundial de formas que ainda estamos a começar a compreender.